free action set | une touche d'rétro
NOTA:
Recordad que las acciones son simplemente esquemas de flujo de trabajo de otros fotógrafos. Podéis conseguir buenos resultados con ellas si las aplicáis a la fotografía adecuada, pero estos resultados serán siempre mejores si las manipulais para asemejarlas a vuestro propio estilo y sobre todo adecuarlas a la fotografía que estáis trabajando.
TIP:
Remember that actions and presets are simply other photographers workflow diagrams. You can get satisfactory results if you apply them in the proper picture, but these results will be always better if you manipulate them to resemble your own style and especially if you pay attention to the picture which you are working on.
daguerrotipo: el encanto del vintage
Hoy me gustaría mostraros un método relativamente sencillo através del cual poder conseguir un efecto avejentado y auténticamente vintage para nuestras fotografías, mientras que a la vez, hacemos un poco de historia hablando del daguerrotipo.
Esta técnica fotografica (la primera) nace en París en el año 1839 de la mano de Louis Daguerre. Inicialmente, el soporte fotosensible constaba de una lámina de cobre plateado que se sensibilizaba con yodo y más tarde con vapor de mercurio. Los primeros temas que se trabajaron fueron los bodegones, la arquitectura y los paisajes, pero pronto el proceso también comenzó a utilizarse para el retrato, y se hizo muy popular en Francia y América.
Los daguerrotipos eran imágenes positivas, así que el proceso quedó obsoleto en tan solo una década, en el momento en el que las nuevas técnicas fotográficas comenzaron a permitir conseguir varias fotografías que se imprimirán a partir de negativos.
Las exposiciónes eran muy largar al pricipio, por lo que los sujetos en movimiento como por ejemplo el agua o las personas siempre aparecían borrosos. Podemos conseguir este efecto con el filtro de desenfoque de movimiento en PS.
La otra característica importante del daguerrotipo es su base metálica. Ésta es dificil de imitar, pero trataremos de conseguirlo con una capa extra en nuestra edición. Con las texturas imitaremos zonas de decoloración y manchas, así como los bordes quemados. Leyendo otros tutoriales se recomienda escanear trozos de papel de aluminio y similares a tal efecto. Nosotros lo vamos a crear a partir de la nada. Recordad que perseguiremos un efecto eminentemente metálico.
Comenzamos el tutorial no sin antes agradecer a la modelo Amalia Martínez que nos ceda su imagen para ilustrar paso a paso como convertir una imagen digital en otra con aspecto avejentado imitando el estilo de los antiguos daguerrotipos.
A modo de resumen esto es lo que haremos:
1. Edición inicial de nuestra foto y conversión a B&N
2. En tres sencillos pasos también le daremos viñeteo, ruido y líneas verticales de grano.
3. Utilizaremos dos texturas para buscar el efecto cuarteado del papel viejo.
4. Y finalmente crearemos una capa especial que imite el soporte metálico de los daguerrotipos y la aplicaremos sobre la fotografía que estamos trabajando.
Abrimos nuesta imagen,trabajamos los niveles por zonas y la convertimos a blanco y negro. No me importa cómo lo hagáis, si mediante el mezclador de canales, color lab, una capa de ajuste de blanco y negro, desaturación o filtros específicos para tal efecto. Este primer paso puede ser totalmente libre, pero tenéis que recordar que cuanto más cariño le dediquéis, mejores resultados finales obtendréis. No hay atajos ni fórmulas mágicas, solo tiempo y dedicación.
Una vez que hayamos realizado este paso, duplicamos la capa fondo resultante (CTRL+J) y vamos a darle un ligero viñeteo a nuestra imagen. Podemos hacerlo de varias maneras. El filtro que PS ofrece por defecto es una opción muy interesante, pero yo prefiero hacerlo con la herramienta MARCO ELÍPTICO por que me ofrece la posibilidad de darle intensidad a la viñeta por zonas, conservar otras,situar su centro, etc.
Trazamos una elipse sobre la zona que queramos conservar y despues invertimos la selección (CTRL+SHIF+I). Vamos a selección y a perfeccionar borde (ALT+CTRL+R). Aplicamos los siguientes valores:
Una vez hayamos suavizado y calado la selección, pintamos suavemente con un pincel (claro u oscuro, según queramos nuestra viñeta) sobre la zona seleccionada. A mi me apetece que tenga un aspecto desgastado, como borrado por el tiempo, así que utilizaré un pincel blanco de borde difuminado con una opacidad y flujo no muy intensos, así podre dar matices por zonas en mi viñeta sólo con realizar varias pasadas.
Deseleccionamos mediante el comando CTRL+D y observamos si nos gusta el resultado, si queremos "decolorar" alguna otra zona, etc. Cada foto pide su propia edición, así que manipuladla a vuestro gusto.
Ahora, vamos a añadirle ruido siguiendo la ruta FILTRO>RUIDO>AÑADIR RUIDO y utilizamos los valores que veréis a continuación:
Vemos que esta fotofrafía ya va tomando un cierto aspecto vintage solo con un par de cositas que hemos hecho. Vamos a completar esta primera parte de envejecimiento creando una nueva capa (1) (SHIFT+CTRL+N). La pintamos de blanco(2) con la herramienta bote de pintura y le aplicaremos el filtro TEXTURA>GRANULADO.
Se abrirá una nueva ventana para que elijamos la cantidad e intensidad de ese grano así como el tipo.
Intensidad: 80, contraste: 60 y tipo de granulado: vertical.
Podemos fundir la capa en modo MULTIPLICAR directamente o hacer selecciones con el marco rectangular (3) y borrar selectivamente con la herramienta borrador (4a/4b) el efecto de granulado en esas zonas antes de aplicar el modo de fusión.
Como podéis observar he borrado en las franjas que corresponden a la zona de los ojos, haciendo especial hincapié en ellos porque me gusta que en un retrato los ojos se lleven todo el protagonismo. Esto es, ciertamente, una cuestión personal. Vosotros podéis hacerlo como estiméis conveniente.
Fundimos la capa en modo multiplicar con la opacidad que más nos satisfaga (yo le he dado un 75%) y ¡ya estamos listos para aplicar texturas!. Vamos a utilizar la textura DARK del set de portrait cracks y (ya no puedo vivir sin ella) PAPIER AU BROUILLON.
Hago los cambios necesarios en las texturas (rotaciones, resolución, etc) para adecuarlas nuestra foto, y las arrastro sobre ella. Ya no os voy a explicar lo que hago con los MAPAS DE DESPLAZAMIENTO porque ahora sabemos cómo se hacen gracias a otros tutoriales. Las cosas se van complicando, pero esa es buena señal, significa que estamos aprendiendo ;)
Empezamos a trabajar DARK. Los modos de fusión que más nos pueden interesar con este tipo de texturas son: la SOBREEXPOSICIÓN LINEAL al 40% de opacidad, la SUPERPOSICIÓN al 50%, o el que yo he elegido DIFERENCIA al 60%. Añadimos una máscara de capa y pintamos con un pincel negro difuminado las zonas donde queremos que la textura no tenga protagonismo como por ejemplo la piel del rostro y los ojos.
Sigo con PAPIER AU BROUILLON, la superpongo al 88%. Utilizo esta textura para darle al fotograma un toque de papel real, es por ello también que no borro nada de esta textura. Este es el resultado que obtengo:
En este momento vamos a combinar las capas acumulando el trabajo anterior (CTRL+SHIFT+ALT+E) para entrar en la última fase de nuestra edición: la creación de una capa especial que imite el soporte fotosensible metalizado del daguerrotipo, con sus manchas típicas de yodo intentando imitar el resultado del antiguo proceso químico.
Creamos una capa nueva a través del comando SHIFT+CTRL+N y la coloreamos con un gris azulado PANTONE 7545C. Podéis tender al azul mucho más que yo sin miedo si os apetece.
Una vez que hayamos creado esta capa, vamos a fundirla en modo superponer, y jugaremos con su opacidad hasta conseguir un efecto que nos guste. En este caso yo opto por el 100% de opacidad y voy jugando con los pinceles de borde suave difuminando ciertas zonas.
Ya estamos terminando.
Como últimos retoques voy a dar una capa de niveles generales y a tocar un poco el tono de la fotografía aplicando una capa de tono saturación con los siguientes valores y fundiéndola con un 30% de opacidad:
Este es el resultado final. También os adjunto el resultado de la misma edición pero variando el viñeteo (en vez de blanco, negro) y fusionando de forma más leve la capa que imita el metal con manchas de yodo.:
(podéis ampliar las fotografías haciendo clic en ellas para ver los detalles)
Como sugerencia y si os apetece, podéis darle bordes redondeados o aplicarle una máscara de capa.
Ya sé que este es un tutorial largo y complejo, pero quiero que os déis cuenta de que reune un montón de cosas que sabemos hacer ya. Al ponerlas todas juntas quedan en evidencia todos los conceptos que hemos aprendido divirtiéndonos, jugando con PS y en muy poco tiempo; así que ánimo y sigamos prácticando!
Esta técnica fotografica (la primera) nace en París en el año 1839 de la mano de Louis Daguerre. Inicialmente, el soporte fotosensible constaba de una lámina de cobre plateado que se sensibilizaba con yodo y más tarde con vapor de mercurio. Los primeros temas que se trabajaron fueron los bodegones, la arquitectura y los paisajes, pero pronto el proceso también comenzó a utilizarse para el retrato, y se hizo muy popular en Francia y América.
Los daguerrotipos eran imágenes positivas, así que el proceso quedó obsoleto en tan solo una década, en el momento en el que las nuevas técnicas fotográficas comenzaron a permitir conseguir varias fotografías que se imprimirán a partir de negativos.
Las exposiciónes eran muy largar al pricipio, por lo que los sujetos en movimiento como por ejemplo el agua o las personas siempre aparecían borrosos. Podemos conseguir este efecto con el filtro de desenfoque de movimiento en PS.
La otra característica importante del daguerrotipo es su base metálica. Ésta es dificil de imitar, pero trataremos de conseguirlo con una capa extra en nuestra edición. Con las texturas imitaremos zonas de decoloración y manchas, así como los bordes quemados. Leyendo otros tutoriales se recomienda escanear trozos de papel de aluminio y similares a tal efecto. Nosotros lo vamos a crear a partir de la nada. Recordad que perseguiremos un efecto eminentemente metálico.
Comenzamos el tutorial no sin antes agradecer a la modelo Amalia Martínez que nos ceda su imagen para ilustrar paso a paso como convertir una imagen digital en otra con aspecto avejentado imitando el estilo de los antiguos daguerrotipos.
A modo de resumen esto es lo que haremos:
1. Edición inicial de nuestra foto y conversión a B&N
2. En tres sencillos pasos también le daremos viñeteo, ruido y líneas verticales de grano.
3. Utilizaremos dos texturas para buscar el efecto cuarteado del papel viejo.
4. Y finalmente crearemos una capa especial que imite el soporte metálico de los daguerrotipos y la aplicaremos sobre la fotografía que estamos trabajando.
Abrimos nuesta imagen,trabajamos los niveles por zonas y la convertimos a blanco y negro. No me importa cómo lo hagáis, si mediante el mezclador de canales, color lab, una capa de ajuste de blanco y negro, desaturación o filtros específicos para tal efecto. Este primer paso puede ser totalmente libre, pero tenéis que recordar que cuanto más cariño le dediquéis, mejores resultados finales obtendréis. No hay atajos ni fórmulas mágicas, solo tiempo y dedicación.
Una vez que hayamos realizado este paso, duplicamos la capa fondo resultante (CTRL+J) y vamos a darle un ligero viñeteo a nuestra imagen. Podemos hacerlo de varias maneras. El filtro que PS ofrece por defecto es una opción muy interesante, pero yo prefiero hacerlo con la herramienta MARCO ELÍPTICO por que me ofrece la posibilidad de darle intensidad a la viñeta por zonas, conservar otras,situar su centro, etc.
Trazamos una elipse sobre la zona que queramos conservar y despues invertimos la selección (CTRL+SHIF+I). Vamos a selección y a perfeccionar borde (ALT+CTRL+R). Aplicamos los siguientes valores:
Una vez hayamos suavizado y calado la selección, pintamos suavemente con un pincel (claro u oscuro, según queramos nuestra viñeta) sobre la zona seleccionada. A mi me apetece que tenga un aspecto desgastado, como borrado por el tiempo, así que utilizaré un pincel blanco de borde difuminado con una opacidad y flujo no muy intensos, así podre dar matices por zonas en mi viñeta sólo con realizar varias pasadas.
Deseleccionamos mediante el comando CTRL+D y observamos si nos gusta el resultado, si queremos "decolorar" alguna otra zona, etc. Cada foto pide su propia edición, así que manipuladla a vuestro gusto.
Ahora, vamos a añadirle ruido siguiendo la ruta FILTRO>RUIDO>AÑADIR RUIDO y utilizamos los valores que veréis a continuación:
Vemos que esta fotofrafía ya va tomando un cierto aspecto vintage solo con un par de cositas que hemos hecho. Vamos a completar esta primera parte de envejecimiento creando una nueva capa (1) (SHIFT+CTRL+N). La pintamos de blanco(2) con la herramienta bote de pintura y le aplicaremos el filtro TEXTURA>GRANULADO.
Se abrirá una nueva ventana para que elijamos la cantidad e intensidad de ese grano así como el tipo.
Intensidad: 80, contraste: 60 y tipo de granulado: vertical.
Podemos fundir la capa en modo MULTIPLICAR directamente o hacer selecciones con el marco rectangular (3) y borrar selectivamente con la herramienta borrador (4a/4b) el efecto de granulado en esas zonas antes de aplicar el modo de fusión.
Como podéis observar he borrado en las franjas que corresponden a la zona de los ojos, haciendo especial hincapié en ellos porque me gusta que en un retrato los ojos se lleven todo el protagonismo. Esto es, ciertamente, una cuestión personal. Vosotros podéis hacerlo como estiméis conveniente.
Fundimos la capa en modo multiplicar con la opacidad que más nos satisfaga (yo le he dado un 75%) y ¡ya estamos listos para aplicar texturas!. Vamos a utilizar la textura DARK del set de portrait cracks y (ya no puedo vivir sin ella) PAPIER AU BROUILLON.
Hago los cambios necesarios en las texturas (rotaciones, resolución, etc) para adecuarlas nuestra foto, y las arrastro sobre ella. Ya no os voy a explicar lo que hago con los MAPAS DE DESPLAZAMIENTO porque ahora sabemos cómo se hacen gracias a otros tutoriales. Las cosas se van complicando, pero esa es buena señal, significa que estamos aprendiendo ;)
Empezamos a trabajar DARK. Los modos de fusión que más nos pueden interesar con este tipo de texturas son: la SOBREEXPOSICIÓN LINEAL al 40% de opacidad, la SUPERPOSICIÓN al 50%, o el que yo he elegido DIFERENCIA al 60%. Añadimos una máscara de capa y pintamos con un pincel negro difuminado las zonas donde queremos que la textura no tenga protagonismo como por ejemplo la piel del rostro y los ojos.
Sigo con PAPIER AU BROUILLON, la superpongo al 88%. Utilizo esta textura para darle al fotograma un toque de papel real, es por ello también que no borro nada de esta textura. Este es el resultado que obtengo:
En este momento vamos a combinar las capas acumulando el trabajo anterior (CTRL+SHIFT+ALT+E) para entrar en la última fase de nuestra edición: la creación de una capa especial que imite el soporte fotosensible metalizado del daguerrotipo, con sus manchas típicas de yodo intentando imitar el resultado del antiguo proceso químico.
Creamos una capa nueva a través del comando SHIFT+CTRL+N y la coloreamos con un gris azulado PANTONE 7545C. Podéis tender al azul mucho más que yo sin miedo si os apetece.
Ahora, sobre esta capa gris, vamos a pintar con un PINCEL HÚMEDO simulando los bordes quemados de la fotografía. Después, con un color rojo anaranjado y también con los pinceles húmedos, simularemos las manchas del yodo:
Una vez que hayamos creado esta capa, vamos a fundirla en modo superponer, y jugaremos con su opacidad hasta conseguir un efecto que nos guste. En este caso yo opto por el 100% de opacidad y voy jugando con los pinceles de borde suave difuminando ciertas zonas.
Ya estamos terminando.
Como últimos retoques voy a dar una capa de niveles generales y a tocar un poco el tono de la fotografía aplicando una capa de tono saturación con los siguientes valores y fundiéndola con un 30% de opacidad:
Este es el resultado final. También os adjunto el resultado de la misma edición pero variando el viñeteo (en vez de blanco, negro) y fusionando de forma más leve la capa que imita el metal con manchas de yodo.:
(podéis ampliar las fotografías haciendo clic en ellas para ver los detalles)
Como sugerencia y si os apetece, podéis darle bordes redondeados o aplicarle una máscara de capa.
Ya sé que este es un tutorial largo y complejo, pero quiero que os déis cuenta de que reune un montón de cosas que sabemos hacer ya. Al ponerlas todas juntas quedan en evidencia todos los conceptos que hemos aprendido divirtiéndonos, jugando con PS y en muy poco tiempo; así que ánimo y sigamos prácticando!
texturas III: pinceles y transformación libre
Hola a tod@s!
Finalmente, las cosas han ido mejor de lo que pensaba esta semana; y es que me ataco yo sola cuando tengo citas tan importantes en el calendario como lo será el taller de fotografía nocturna y de naturaleza del próximo fin de semana. Pero ya está todo bajo control y dispongo de casi todo el tiempo del mundo para poder dedicároslo a vosotr@s en forma de punto y final de este tutorial sobre texturas, mapas de desplazamiento y transformaciones.
Recapitulemos:
1)Hemos visto, en la primera parte de este tutorial, cómo afectaban los diferentes modos de fusión de capas a una capa/fotografía base. Con estos conocimientos ya estamos en disposición, no sólo de conocer de antemano que efecto causará una textura sobre nuestra fotografía, sino cualquier otro tipo de capa: color, niveles, curvas, la propia fotografía base duplicada, etc.
2)En la segunda parte, hemos aprendido a crear un mapa sobre el cual desplazar después nuestra textura, creando un efecto que, metafóricamente, sería similar a cubrir con una tela nuestra foto, dándole sensación de tridimensionalidad. Con ello conseguimos cargar de viveza las fotografías trabajadas con texturas.
3)Finalmente, en esta tercera parte veremos cómo crear un pincel y transformarlo para adaptarlo a la fotografía que estemos editando.
Lo más importante de este apartado es que aprenderemos a utilizar una herramienta que después nos servirá para adaptar las propias texturas a la fotografía base o cualquier otro objeto que deseemos insertar en ella. Es decir, aprenderemos que cualquier herramienta de photoshop tiene múltiples utilidades. Tan sólo tendremos que dejar volar nuestra imaginación, ser creativos, desear hacer algo y dejar que las herramientas del programa nos ayuden en este propósito.
Comenzamos en el lugar dónde lo habíamos dejado en el tutorial anterior. Habíamos editado nuestra fotografía sacando los niveles de las cuatro zonas principales, clonando elementos molestos como la costura del vestido y corrigiendo pequeñas imperfecciones de la piel. Después, hemos construido un mapa de desplazamiento sobre el cual trabajaríamos para posteriormente aplicar nuestra textura.
Ahora vamos a trabajar con un juego de pinceles de notas musicales de Sunira, que os podéis descargar gratuitamente en PS Brushes.net. También disponéis de muchos más en Devianart. Os dejo los enlaces a las búsquedas.
Cuando os bajeis el archívo podéis copiarlo en MI PC>ARCHIVOS DE PROGRAMA>ADOBE>ADOBE PHOTOSHOP>AJUSTES PREESTABLECIDOS>PINCELES. Realizo esta operación para los pinceles que yo misma diseño o para aquellos de otros autores por los que tengo predilección y siempre me gusta tener a mano. Otro tipo de pinceles, los que sólo voy a usar puntualmente o simplemente estoy probando, los cargo en photoshop directamente desde una carpeta que he creado con esa intención y que podéis tener en el escritorio o en mis documentos.
¿Cómo se cargan los pinceles? Muy fácil:
En realidad, lo que estamos haciendo es borrar de la textura las zonas que corresponden a la forma de nuestro pincel. Aseguraos de que usais color negro para el pincel, elegid el tamaño y el emplazamiento adecuado para el mismo y pintad sobre una máscara de capa. De esta forma, siempre podremos recuperar la textura original.
Voy a repetir esta operación con un pincel distinto para rellenar la parte del cielo que se encuentra a la izquierda del fotograma. Este es el resultado que obtendremos:
Podéis ver lo suave que ha quedado todo. A continuación acoplamos capa y vamos a modificar los pinceles 1132 y 1104 de este set de partituras a través de la herramienta transformación libre.
Abrimos un nuevo documento PS pulsando las teclas CTRL+N.
Se abre el siguiente cuadro de diálogo:
Recortamos si es necesario lo que nos sobre de lienzo pero sin ajustar demasiado, porque ahora vamos a distorsionar el dibujo y necesitaremos espacio. A continuación seguimos la ruta EDICION>TRANSFORMAR y vemos que se nos abre un desplegable con varias opciones. Os recomiendo que paséis una de esas tardes de aburrimiento sin saber qué hacer investigando en los efectos que se pueden conseguir con las transformaciones, nos pueden ayudar de muy diversas maneras, pero en esta ocasión simplemente vamos a utilizar la opción DEFORMAR.
Veréis como vuestra imagen queda enmarcada en una rejilla cuyas líneas y puntos podemos mover en cualquier dirección que deseemos transformando la misma:
Cuando hayamos obtenido la forma deseada hacemos click en herramienta mover y aplicamos los cambios. Si vemos que nos sobra mucho lienzo en blanco, volvemos a recortar. Eliminamos la capa fondo dejando solo el fondo copia y, es ahora cuando vamos a guardar esta imagen como pincel siguiendo la ruta: EDICION>DEFINIR VALOR DE PINCEL...
Le hemos puesto nombre al pincel y como podéis ver ya se encuentra al lado del resto de pinceles de Sunira. Es importante que sí os gusta el pincel y queréis conservarlo junto con el resto del set los guardeis siguiendo la ruta que os enseñé antes. En la imagen superior os recuerdo donde pulsar con un círculo rojo para realizar esta acción.
En la edición de esta fotografía repetí el paso de la deformación con otro de los pinceles, el 1104 hasta conseguir el resultado final.
Si tenéis alguna duda, algún paso que no os salga como es debido o cualquier tipo de consulta a cerca de este u otros tutoriales, me tenéis en el correo electrónico beatrizgarica.photo@yahoo.es o de una forma más directa y casi online en la página de facebook de The Black Cat Photography. Podéis consultar en el muro o abrir un foro de debate.
Finalmente, las cosas han ido mejor de lo que pensaba esta semana; y es que me ataco yo sola cuando tengo citas tan importantes en el calendario como lo será el taller de fotografía nocturna y de naturaleza del próximo fin de semana. Pero ya está todo bajo control y dispongo de casi todo el tiempo del mundo para poder dedicároslo a vosotr@s en forma de punto y final de este tutorial sobre texturas, mapas de desplazamiento y transformaciones.
Recapitulemos:
1)Hemos visto, en la primera parte de este tutorial, cómo afectaban los diferentes modos de fusión de capas a una capa/fotografía base. Con estos conocimientos ya estamos en disposición, no sólo de conocer de antemano que efecto causará una textura sobre nuestra fotografía, sino cualquier otro tipo de capa: color, niveles, curvas, la propia fotografía base duplicada, etc.
2)En la segunda parte, hemos aprendido a crear un mapa sobre el cual desplazar después nuestra textura, creando un efecto que, metafóricamente, sería similar a cubrir con una tela nuestra foto, dándole sensación de tridimensionalidad. Con ello conseguimos cargar de viveza las fotografías trabajadas con texturas.
3)Finalmente, en esta tercera parte veremos cómo crear un pincel y transformarlo para adaptarlo a la fotografía que estemos editando.
Lo más importante de este apartado es que aprenderemos a utilizar una herramienta que después nos servirá para adaptar las propias texturas a la fotografía base o cualquier otro objeto que deseemos insertar en ella. Es decir, aprenderemos que cualquier herramienta de photoshop tiene múltiples utilidades. Tan sólo tendremos que dejar volar nuestra imaginación, ser creativos, desear hacer algo y dejar que las herramientas del programa nos ayuden en este propósito.
Comenzamos en el lugar dónde lo habíamos dejado en el tutorial anterior. Habíamos editado nuestra fotografía sacando los niveles de las cuatro zonas principales, clonando elementos molestos como la costura del vestido y corrigiendo pequeñas imperfecciones de la piel. Después, hemos construido un mapa de desplazamiento sobre el cual trabajaríamos para posteriormente aplicar nuestra textura.
Ahora vamos a trabajar con un juego de pinceles de notas musicales de Sunira, que os podéis descargar gratuitamente en PS Brushes.net. También disponéis de muchos más en Devianart. Os dejo los enlaces a las búsquedas.
Cuando os bajeis el archívo podéis copiarlo en MI PC>ARCHIVOS DE PROGRAMA>ADOBE>ADOBE PHOTOSHOP>AJUSTES PREESTABLECIDOS>PINCELES. Realizo esta operación para los pinceles que yo misma diseño o para aquellos de otros autores por los que tengo predilección y siempre me gusta tener a mano. Otro tipo de pinceles, los que sólo voy a usar puntualmente o simplemente estoy probando, los cargo en photoshop directamente desde una carpeta que he creado con esa intención y que podéis tener en el escritorio o en mis documentos.
¿Cómo se cargan los pinceles? Muy fácil:
Seleccionamos la herramienta pincel y, en la parte superior de nuesta ventana PS, veremos todas las opciones que nos ofrece. Abrimos la pestaña para ver los diferentes tipos de pinceles que tenemos cargados y hacemos clic en la flechita señalada dentro del círculo rojo. Se abrirá un desplegable con todas estas opciones de visualización, carga y guardado, además de todos los pinceles que teneis activos actualmente en vuestros PSs. Hecemos clic en cargar pinceles.
Automáticamente se os abrirá un explorador para que localiceis la ubicación en la que anteriormente os habéis descargado los pinceles. Cargais el archivo que debe tener la extensión *.ABR y ya los tenéis incorporados a vuestra lista de pinceles.
Si los queréis conservar en esa lista, sólo tenéis que repetir la operación y elegir guardar pinceles en lugar de cargar. Si no, simplemente hay que cargarlos cada vez que queramos usarlos.
Yo he elegido NO añadirlos a mi lista de pinceles habituales, de esta forma se carga solamente ese set.
Como sabeis ahora podemos modificar la opacidad, el relleno y el color del pincel. También es importante saber que un pincel se puede usar sobre la imagen con la textura ya acoplados o podemos usarlos en la textura directamente. Si lo hacemos así, sobre la textura, conseguiremos un efecto más suave, elegante y sin estridencias. Parecerá que están integrados en la textura.
Como casi todo en la edición fotográfica, la clave del éxito en nuestras creaciones, no está en tocar más o menos las fotografías, sino en hacerlo de la manera más discreta y menos obvia posible.
Así que comencemos:
En realidad, lo que estamos haciendo es borrar de la textura las zonas que corresponden a la forma de nuestro pincel. Aseguraos de que usais color negro para el pincel, elegid el tamaño y el emplazamiento adecuado para el mismo y pintad sobre una máscara de capa. De esta forma, siempre podremos recuperar la textura original.
Voy a repetir esta operación con un pincel distinto para rellenar la parte del cielo que se encuentra a la izquierda del fotograma. Este es el resultado que obtendremos:
Podéis ver lo suave que ha quedado todo. A continuación acoplamos capa y vamos a modificar los pinceles 1132 y 1104 de este set de partituras a través de la herramienta transformación libre.
Abrimos un nuevo documento PS pulsando las teclas CTRL+N.
Se abre el siguiente cuadro de diálogo:
Modificamos los valores si es preciso, incluso podemos darle título ya a nuestro documento. Cuando trabajo con pinceles, bien si los creo yo misma o si modifico los de otros diseñadores procuro elegir hacerlo en un documento lo suficientemente grande para que el pincel resultante tenga un buen tamaño. Si lo hacemos pequeño desde un principio, luego no podremos hacerlo más grande en las opciones del pincel porque nos encontraremos con el tope de 2500px, así que vale más pasarnos que quedarnos cortos.
Abro el nuevo documento y antes de nada cambio la imagen a MODO>ESCALA DE GRISES y duplico la capa fondo. En la capa resultante, con color negro y al 100% de opacidad y relleno marco con el pincel elegido. Vamos a trabajar con el 1132 primero.
Recortamos si es necesario lo que nos sobre de lienzo pero sin ajustar demasiado, porque ahora vamos a distorsionar el dibujo y necesitaremos espacio. A continuación seguimos la ruta EDICION>TRANSFORMAR y vemos que se nos abre un desplegable con varias opciones. Os recomiendo que paséis una de esas tardes de aburrimiento sin saber qué hacer investigando en los efectos que se pueden conseguir con las transformaciones, nos pueden ayudar de muy diversas maneras, pero en esta ocasión simplemente vamos a utilizar la opción DEFORMAR.
Veréis como vuestra imagen queda enmarcada en una rejilla cuyas líneas y puntos podemos mover en cualquier dirección que deseemos transformando la misma:
Cuando hayamos obtenido la forma deseada hacemos click en herramienta mover y aplicamos los cambios. Si vemos que nos sobra mucho lienzo en blanco, volvemos a recortar. Eliminamos la capa fondo dejando solo el fondo copia y, es ahora cuando vamos a guardar esta imagen como pincel siguiendo la ruta: EDICION>DEFINIR VALOR DE PINCEL...
Le hemos puesto nombre al pincel y como podéis ver ya se encuentra al lado del resto de pinceles de Sunira. Es importante que sí os gusta el pincel y queréis conservarlo junto con el resto del set los guardeis siguiendo la ruta que os enseñé antes. En la imagen superior os recuerdo donde pulsar con un círculo rojo para realizar esta acción.
En la edición de esta fotografía repetí el paso de la deformación con otro de los pinceles, el 1104 hasta conseguir el resultado final.
Ya sabemos qué nos ofrecen los diferentes tipos de fusión de capas, cómo desplazar una textura sobre una imagen base y ahora también cómo transformar pinceles (y otros objetos) para amoldarlos al uso que queramos.
Os propongo una sugerencia, un juego a modo de divertimento y para practicar todo lo que hemos aprendido: podéis tomar un retrato o atoretrato e intentar decorar vuestra piel con pinceles y texturas.
Por lo demás, esta fotografía hasta llegar al producto final lleva: una conversión a blanco y negro (en el blog podéis encontrar varios tutoriales al respecto), una capa de curvas de contraste medio un vignette blur y la marca de agua.
Si tenéis alguna duda, algún paso que no os salga como es debido o cualquier tipo de consulta a cerca de este u otros tutoriales, me tenéis en el correo electrónico beatrizgarica.photo@yahoo.es o de una forma más directa y casi online en la página de facebook de The Black Cat Photography. Podéis consultar en el muro o abrir un foro de debate.
texturas II: mapas de desplazamiento
Empezamos con la segunda parte de este tutorial que nos enseñará uno de los varios procesos a través de los cuales podremos incorporar con éxito texturas a nuestras fotografías.
Hoy veremos qué son los mapas de desplazamiento, para qué sirven y cómo se utilizan.
Partimos de la base de que ya tenemos nuestra fotografía principal, que ya la hemos trabajado por zonas y le hemos dado la edición «básica» en el sentido de que si, por ejemplo queremos darle un blanco y negro posterior como va a ser el caso del ejemplo que emplearemos, lo hagamos ya con la textura y los pinceles implementados. De esta manera le daremos un aspecto homogéneo que dificilmente podremos conseguir si procesamos imagen base y textura por separado. Aunque es algo que también se puede hacer y de hecho, en algunos casos es lo indicado.
Estas son la imagen y textura con las que vamos a trabajar:
El filtro DESPLAZAMIENTO que podréis encontrar en photoshop siguiendo la ruta: FILTRO>DISTORSION>DESPLAZAR, permite producir fuertes distorsiones en la imagen seleccionada y es por esta razón que son de gran utilidad para generar patrones de textura.
El mapa de desplazamiento lo construiremos a partir de la fotografía. Vamos a convertirla a un blanco y negro muy contrastado para marcar bien las sombras y las luces. Después de hacer esta conversión, guardaremos el resultado en formato *.PSD para más adelante, recuperarlo y aplicarlo sobre la textura.
¿Cómo vamos a hacer esta conversión de la que os hablo? Muy fácil, con el MEZCLADOR DE CANALES. El mezclador de canales es una herramienta que muchos editores y fotógrafos utilizan para realizar conversiones a blanco y negro, y si bien mi método preferido sigue siendo el Color Lab, tengo que decir que el mezclador de canales es también una buena opción.
En realidad, si le ponéis imaginación, podéis crear mapas de desplazamiento con la herramienta que queráis, siempre y cuando el resultado sea siempre el mismo: alto contraste.
Veréis, que desplegando la pestaña superior aparecen una serie de ajustes preestablecidos para blanco y negro. Elegimos el blanco y negro con filtro azul porque es el que más contraste nos ofrece. También podéis hacerlo a medida, utilizando vuestros propios valores, pero para eso no debéis olvidar de marcar la casilla monocromo. Una vez que tengáis un patrón personalizado que os guste, podéis guardarlo para después cargarlo cuantas veces querais haciendo clic en el desplegable que rodeo con un círculo rojo en la imagen superior.
Ahora, vamos a añadirle a la textura una máscara y en ella, con un pincel negro y difuminado, vamos a ir pintando con cuidado en las zonas en las que no queramos que aparezca la textura. Voy a borrarla suavemente de la piel, cara y pelo de la modelo:
Con esto hemos acabado por hoy, en el próximo tutorial os enseñaré como construir vuestros propios pinceles y darles forma a través de la herramienta TRANSFORMACIÓN LIBRE para decorar la textura con partituras y notas musicales hasta llegar de nuestro resultado de hoy al final:
Hoy veremos qué son los mapas de desplazamiento, para qué sirven y cómo se utilizan.
Partimos de la base de que ya tenemos nuestra fotografía principal, que ya la hemos trabajado por zonas y le hemos dado la edición «básica» en el sentido de que si, por ejemplo queremos darle un blanco y negro posterior como va a ser el caso del ejemplo que emplearemos, lo hagamos ya con la textura y los pinceles implementados. De esta manera le daremos un aspecto homogéneo que dificilmente podremos conseguir si procesamos imagen base y textura por separado. Aunque es algo que también se puede hacer y de hecho, en algunos casos es lo indicado.
Estas son la imagen y textura con las que vamos a trabajar:
El filtro DESPLAZAMIENTO que podréis encontrar en photoshop siguiendo la ruta: FILTRO>DISTORSION>DESPLAZAR, permite producir fuertes distorsiones en la imagen seleccionada y es por esta razón que son de gran utilidad para generar patrones de textura.
El mapa de desplazamiento lo construiremos a partir de la fotografía. Vamos a convertirla a un blanco y negro muy contrastado para marcar bien las sombras y las luces. Después de hacer esta conversión, guardaremos el resultado en formato *.PSD para más adelante, recuperarlo y aplicarlo sobre la textura.
¿Cómo vamos a hacer esta conversión de la que os hablo? Muy fácil, con el MEZCLADOR DE CANALES. El mezclador de canales es una herramienta que muchos editores y fotógrafos utilizan para realizar conversiones a blanco y negro, y si bien mi método preferido sigue siendo el Color Lab, tengo que decir que el mezclador de canales es también una buena opción.
En realidad, si le ponéis imaginación, podéis crear mapas de desplazamiento con la herramienta que queráis, siempre y cuando el resultado sea siempre el mismo: alto contraste.
Editamos nuestra fotografía normalmente. En este caso, el ejemplo lleva cuatro capas de ajuste de niveles: una para el cielo, otra para el paisaje, la tercera para la paja en primer plano y la cuarta y última para la modelo. Además, previamente se han realizado retoques para eliminar alguna mancha o granito en la piel y también se ha clonado una costura del vestido.
Comenzamos a crear nuestro mapa de desplazamiento y después de haber duplicado nuestro capa fondo, nos vamos a IMAGEN>AJUSTES>MEZCLADOR DE CANALES.
En este punto, se abrirá un cuadro de diálogo como el siguente:
Observaréis que el resultado es un poco extremo, pero tranquilos, lo que buscamos ahora no es el blanco y negro sino el mapa de desplazamiento que guardaremos a continuación siguiendo la ruta: ARCHIVO>GUARDAR COMO. Llamáis al archivo «mapa de desplazamiento» y os aseguráis que lo guardáis en formato *.pds y en un lugar de fácil recuperación, como por ejemplo el escritorio. También podéis crear dentro de vuestra carpeta de texturas otra que contenga los mapas de desplazamiento.
Bien, una vez guardado este archivo, deshacemos el paso del MEZCLADOR DE CANALES y volvemos a la fotografía inicial. Es el momento de abrir el archivo con nuestra textura. En este caso vamos a usar la última que tenemos en el blog que se llama «scrawled insomnia»
Abrimos el archivo y lo arrastramos sobre nuestra fotografía.
Maximizamos la ventanta de la izquierda, donde vamos a trabajar ambas capas, base y textura. Una vez que con la herramienta «mover» hayamos acoplado el tamaño de la imagen y la textura es cuando vamos a utilizar el mapa de desplazamiento que previamente hemos guardado.
Seguimos la ruta FILTRO>DISTORSIONAR>DESPLAZAR
Veréis que se abre un cuadro de diálogo como este:
Tanto en la escala horizontal como vertical podéis escoger los valores que más os interesen, cuanto más elevado sea el valor, más extremos serán los resultados. Como siempre os recomiendo que experimentéis con diferentes valores y observéis cual es el que mejor le va a vuestras fotografías y texturas en cada momento. Tal vez sí merecería la pena aumentar los dos valores por encima de 10 si fuera un primer plano, por ejemplo, pero en este caso de retrato con paisaje no vamos a darle mucha intensidad al efecto porque no lo necesitamos.
Pulsamos OK y veremos que se abre otro cuadro de diálogo en el que se nos pedirá que cargemos el archivo «mapa de desplazamiento». Lo buscamos, lo seleccionamos y pulsamos ABRIR.
Automáticamente, veréis Como la textura se deforma siguiendo el patron del mapa de desplazamiento y acoplandose a la imagen. Ya hemos hecho lo más dificil; ahora sólo queda elegir un modo de fusión de la textura, así como la opacidad de la misma y su relleno. Recordad que en la primera parte de este tutorial, explicamos paso a paso cuales son los distintos efectos que se consiguen con cada modo de fusión de capas.
En este caso he escogido la opción «superponer», que superpone la textura o imagen de fusión en la base, multiplicando o tramando los colores dependiendo del color de ésta y conservando sus resaltados y las sombras del color base. Como sabemos que la fusión con un 50% de gris no tiene efecto, la dejamos en 100% para destacar más los contrastes de sombra y luz.
Este es el resultado:
Ahora, vamos a añadirle a la textura una máscara y en ella, con un pincel negro y difuminado, vamos a ir pintando con cuidado en las zonas en las que no queramos que aparezca la textura. Voy a borrarla suavemente de la piel, cara y pelo de la modelo:
Con esto hemos acabado por hoy, en el próximo tutorial os enseñaré como construir vuestros propios pinceles y darles forma a través de la herramienta TRANSFORMACIÓN LIBRE para decorar la textura con partituras y notas musicales hasta llegar de nuestro resultado de hoy al final:
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